2018年4月14日土曜日

METライブビューイング プッチーニ『ラ・ボエーム』








粒ぞろいの歌手たちが
織りなす饗宴

ニューヨーク・メトロポリタン歌劇場のオペラを映画館で上映するという試みのMETライブビューイングシリーズを映画館で見てまいりました。

METライブビューイングシリーズは映画館にいながら、現場で鑑賞するような感覚を想起させる新しいオペラの楽しみ方のひとつとして開始されましたが、今では随分と音楽ファンに浸透しているようですね。

今回見たのは2017~2018シーズンのラインナップの中で見逃せない上演のひとつ、プッチーニの『ラ・ボエーム』です。この公演で最も注目されるのが、主役のミミを演じたソーニャ・ヨンチェヴァでしょう。もはやプッチーニやヴェルディをはじめとするイタリアオペラには欠かせない存在となった彼女ですが、この「ラ・ボエーム」でもその存在感は絶大です。
 有名な「私の名はミミ」では豊かな声質と情感が一層この名曲に花を添えます。そしてロドルフォを演じるマイケル・ファビアーノ、ムゼッタ役のスザンナ・フィリップス等、それぞれにふさわしい人物像を巧みに描き出してくれたのでした。


ゼフィレッリの
舞台の美しさに感動!

この作品はプッチーニの中でもオーケストレーションが特に美しく、夢のような情感を与えてくれる傑作の一つです。したがって伴奏の領域ではではとどまらず、管弦楽次第では作品の感銘の度合いや印象さえ大きく変わってしまうという…ある意味厄介な作品です。

指揮のマルコ・アルミリアートはすべてにおいてイタリアオペラの基本を忠実に再現してくれる人ですが、もっともっとロマンチックで繊細な情感を醸し出してくれても良かったような気がします。特に第1幕で主人公二人が出会う場面の最も感動的な音楽が意外にあっさりすすめられていたのはちょっと残念ですね……。

それに対して、フランコ・ゼフィレッリの舞台演出は最高です! この舞台はメト用に考案されたもので、40年が経とうとする現在も変わらないということですが、作品の本質をしっかり捉えた高い芸術性や感性が、無理なく『ラ・ボエーム』の世界観を私たちの心に焼きつけることに成功しているのです! 
第1幕の屋根裏部屋のシーンからはじまり、第2幕の盛り場カフェのシーン、第3幕の雪の情景のシーンと、どれもこれも非常に凝っていて、舞台という限られた空間の中で様々なイメージや情緒が大きく膨らんでいくのです。

オペラはキャスティングに多くのスタッフが関わるので、すべてが満足とはなかなかいかないものですが、総合芸術としての観客との意思の疎通や面白さ、感動は他の芸術ではなかなか味わえないものかもしれませんね……。


2018年3月19日月曜日

チャイコフスキー 交響曲第6番ロ短調「悲愴」(2)











チャイコフスキー最後の
作品にして最高傑作

この作品については前も書いたことがあります。ただ、その時と現在では多少作品に対する印象が変わってきましたし、このところ音楽に深く共感するところがありましたので、改めて書かせていただきたいと思います。

チャイコフスキー最後の作品にして、押しも押されぬ最高傑作……。
しかもロマノフ王朝、帝政ロシアの終焉の時を色濃く感じさせる何ともいえない悲壮感や諦観が聴く者の胸を強く締めつけます。

特に両端楽章(第1、第4楽章)は絶品ですね。チャイコフスキーがこの曲に託した想いがどれほどのものだったのかが伝わってきます。

第1楽章の開始からコントラバスとファゴットが奏でる重苦しく救いようのない旋律に先行き不安になってしまいます。このまま音楽が進行していったら一体どうなるのだろうかと……。
しかし、淋しさをいっぱいに湛えた第一主題が現れると、曲の特徴や性格がしっかりと打ち出され、その後は意味深く格調高い音楽が次々と展開されていきます。

しばらくすると、故郷の美しい情景や春の息吹を予感させる儚くも美しい第二主題が現れます。
その主題が高揚し、収束すると、全体のクライマックスとも言える恐ろしい展開部がやってきます。荒れ狂う魂の彷徨や、もがき苦しみながら何かにしがみつこうとする音楽はまさに壮絶そのものとしか言いようがありません。


一度聴いたら忘れられない
第四楽章の衝撃

第2楽章は民謡風の懐かしい情緒とチャイコフスキー独特の美しい旋律が噛み合った稀有の音楽です。終始憂いの心が漂い、最後は名残惜しさを湛えつつ静かに音楽が止んでいきます。
第3楽章ではバレエ音楽で培った絶妙なリズムや色彩豊かな楽器の音色が生きています。行進曲風の威勢のいいテーマが進行して、圧倒的なクライマックスを築き上げるのですが、決して魂の歓喜に至らないのは身に迫る現実との距離感からなのでしょうか……。

第4楽章はむせび泣くような悲しみに彩られた第一主題で始まります。これは誰もが一度聴いたら忘れられない強烈な印象を受ける音楽ではないでしょうか。それまでこんな独創的な開始のフィナーレはなかったでしょうし、当時としては大いに物議を醸しだしたのかもしれません。
そして中間部で慰めに満ちた神秘的なテーマが現れると、瞑想と回想が交錯する中で、いよいよ悲しみの大きさが頂点に達します。遂に悲しみに終止符を打つドラが鳴ると、絶望の中で途方に暮れながらトボトボと歩き始めるのですが、次第にその姿も見えなくなってしまうのです……。


深遠な内容と卓越した音楽性
ムラヴィンスキーの芸術

『悲愴』は名曲のため、昔からかなりの数の名盤が存在します。
メンゲルベルク、フルトヴェングラー、モントゥー、カラヤン、チェリビダッケ、アバド、ザンデルリンク……と挙げればキリがありません。 その中で、演奏の素晴らしさはもちろん、深遠な内容、卓越した音楽性に圧倒されるのが、エフゲニー・ムラヴィンスキー指揮レニングラードフィル(現サンクトペテルブルク・フィル)の録音です。端正で格調高く、模範的な演奏スタイルのため、何度も耳にすると聴き飽きてしまうのでは……と思われるかもしれませんが、まったくそのような心配は無用です。

表面的にはクールを装いつつも、実は内面の炎が熱く燃えたぎる演奏をするのがムラヴィンスキーなのです。
特に第一楽章の展開部や第四楽章展開部はあらゆる楽器の音色やフレージング、間のとり方に指揮者の心が強く浸透していることが明らかです。とにかく、フォルティッシモ(最強音)からピアニッシモ(最弱音)まで、その表現には絶えず意味があり、温もりと豊かな音楽が溢れているのです。

当時のソビエト社会主義連邦(現ロシア)の指導者たちが、芸術家たちを社会主義リアリズムで厳しく締めつけ(多くの画家、作曲家、音楽家が亡命)、次第に表現の自由が奪われる中で、ムラヴィンスキーは生涯ソ連国内に居残り、50年にも及びレニングラードフィルを監修し、指揮し続けられたことは本当に奇跡としか言いようがありません。

やはりムラヴィンスキーの芸術が図抜けて素晴らしく、団員からは信頼され、強いカリスマ性の持ち主でもあったため、党の指導者と言えどもむやみにぞんざいな扱いをするわけにはいかなかったということなのでしょうか……。

2018年3月7日水曜日

ラフォルジュルネTOKYO 2018










ゴールデンウイーク恒例のクラシックイベント、「ラ・フォル・ジュルネ・オ・ジャポン」が、今年は「ラ・フォル・ジュルネ TOKYO」と名称を変えて華々しく開催されます! テーマは「UN MONDE NOUVEAU(モンド・ヌーヴォー)-新しい世界へ-」。

例年、様々な趣向を凝らして、クラシック音楽ファンの裾野を拡げ続けてきたこのイベント。14回目となる今回は東京国際フォーラム(125公演)以外に池袋の東京芸術劇場(53公演)でプログラムが組まれています。

公式サイトではラ・フォル・ジュルネ TOKYOの5つの魅力として、以下のポイントを掲げていますが、まったくそのとおりだと思いますね!

  • いつも新しい発見が!毎年異なる独自テーマで展開される音楽祭
  • 出演アーティストは2000人以上、300以上のコンサートを開催
  • 1公演は約45分、朝から夜までコンサートをはしごして音楽三昧
  • 一流の演奏を1500円からのリーズナブルなプライスでご提供
  • エリアコンサートなど関連プログラムも充実!街中が音楽に包まれます


今年も乞うご期待です!



2018年2月28日水曜日

ドガ 「踊りの花形」








一瞬の動きを
シャッターチャンスのように
見事に捉える

ドガほど色彩やタッチに洗練された品格を感じさせる画家は少ないかもしれません。彼もドミニク・アングルのような卓越したデッサン力の持ち主だったのでした。

ドガといえば、真っ先に連想されるのがバレリーナと競馬場の絵ではないでしょうか。
そのバレリーナの絵の代表格が「踊りの花形」です。おそらく美術の教科書やチラシやポストカード等、あらゆる媒体で目に触れる機会も多いし、ご存知の方も少なくないでしょう。
この絵の素晴らしいところは、バレリーナの最も美しいと思われる一瞬の動きをカメラのシャッターチャンスのように捉えていて、それが絵全体に躍動感を漲らせていることです!

しかも斜め上から見下ろしたバレリーナの姿態は、絵のポーズとして表現するのが、なかなか難しい位置にもかかわらず、しっかりと動きを捉えていますね……。構図の素晴らしさもありますが、それをこともなげにあっさり実現させているところに、ドガの並々ならないデッサン力と観察眼の鋭さを感じます。
光を意識した色彩やスピーディなタッチも冴えに冴えており、そのことが絵に華麗でリズミカルな流れを生み出しているのです。

また、もう一つの魅力としてあげなければならないのが、どことなく哀愁の影を漂わせているところでしょうか。色彩もタッチも洗練されているのですが、華やかな舞台の陰からはうっすらと寂寥感が伝わってきます……。スポットライトを浴びるバレリーナと舞台の裾に佇む人々との間には様々なドラマがありそうですね。そのコントラストが絵に映し出しされているような感じもするし、何とも興味深い表現です…。


2018年2月17日土曜日

「ブリューゲル展 画家一族 150年の系譜」











ブリューゲル一族の
偉業を辿る

異空間へと誘う「雪中の狩人」やスケール雄大でありながら緻密な「バベルの塔」等、一度見たら忘れられないメッセージ性豊かな名画を残したバロック絵画の大巨匠ピーテル・ブリューゲル1世。

その偉大なブリューゲル1世を筆頭にブリューゲル家の絵画史を紐解くような展覧会、「ブリューゲル展 画家一族 150年の系譜」が現在、東京都美術館で開催されています。

ブリューゲル1世があまりにも偉大だったため、息子たちの絵も瓜二つのようになってしまうのは致しかたないことなのかもしれません。
しかし、彼らが絵に込める思いは父の絵の絶対的な魅力や本質を後世に伝えようという高い志しの中で生まれたものであることも間違いないのです。

プライベートコレクションを中心にしたおよそ100点の絵画には、父の絵に深い共感を寄せる彼らの熱いメッセージが脈々と受け継がれているのかもしれません。






会 期   2018123()41()
会 場   企画棟 企画展示室
      休室日月曜日、213()
      夜間開室金曜日は9:3020:00
     (入室は閉室の30分前まで)
観覧料   一般 1,600 大学生・専門学校生1,300  
      高校生 800 65歳以上 1,000




2018年2月10日土曜日

モーツァルト ピアノ協奏曲第9番変ホ長調K271「ジュノーム」

















モーツァルト初期の名作

モーツァルトはあらゆる楽器の中でもピアノを愛し、ピアノに自分のありったけの想いを込めて作曲したことで有名ですが、初期の名作、ピアノ協奏曲第第9番「ジュノーム」もその好例と言えるでしょう!

特に、涙に彩られたメロディが印象的な第二楽章アンダンティーノはピアノの音色だけでなく、オーケストラにも哀しみの心が深く滲み出ていて、心を揺さぶられます。音楽が進むにつれて、その表情は幾重にも変化し、ますます憂いの想いが募っていくのです。そんな哀愁を帯びた旋律であるにもかかわらず、中間部でさり気なく無邪気な微笑みを見せるところもモーツァルトらしいですね……。

しかも、決して暗くなったり、重苦しくならないのは、モーツァルトの音楽がどこまでも澄み切っているからなのでしょう!

澄み切ったと音楽という意味では、ピアノのソロで始まる主題が印象的な第三楽章ロンド-アレグロもそうかもしれません! まるで青空にぐんぐん舞い上がっていくような、この透明感、飛翔感は一体何なのでしょうか。

この二つの楽章に対して対照的なのが、肩の力を抜いて口ずさむように音楽が開始される第一楽章です。平凡で何でもないように聴こえたりもするのですが、全体的に聴く人の心と耳を拒まず、水が土に染みこむような受容度の高い音楽になっているのです。また、随所に光と風を感じさせる音楽性の高さも魅力と言えるでしょう!


解釈や演奏が難しい
第一楽章、第三楽章

「ジュノーム」は第二楽章が素晴らしくよく書けているため、よほど平凡な演奏でない限り、大抵は音楽の美しさが伝わってくることでしょう。しかし、第一楽章や第三楽章はそうはいきません…。ここはピアニストや指揮者の解釈、センスが大いに要求されるところで、ツボにはまれば作品の隠れた美しさや愉しさを引き出せるでしょうが、失敗すると退屈でつまらない演奏になりかねません…。

その点、リチャード・グード(ピアノ)、オルフェウス室内管弦楽団(Nonesuch)は自然なスタイルながら、曲の美しさを充分に堪能させてくれる演奏です。グードは表現の幅が広く、深い解釈をするのがモットーのピアニストですが、この曲ではモーツァルトらしい愉悦に溢れた響きが心地よく、一小節ごとに変わる表情も豊かで生き生きしています。
オルフェウス室内管弦楽団との息もピッタリで、特に第一楽章の中間部、ピアノとオケが言葉を交わすように展開するあたりは音楽を聴く喜びでいっぱいに満たされます。


有名な第二楽章の素晴らしさが際立っているのが内田光子(ピアノ)、ジェフリー・テイト指揮イギリス室内管弦楽団(DECCA)です。第二楽章はオケの出だしからして寂寥感が漂っているし、ピアノの音色も秋の深さと哀しみの情をひたすら伝えていきます。第一、第三楽章も安定感抜群で、内田のカデンツァも魅力いっぱいです。「ジュノーム」の美しさを再認識させてくれる名演奏と言っても過言ではありません。


2018年1月27日土曜日

ヘンデル 二重協奏曲第2番 ヘ長調 HWV.333










管楽器と弦楽器の響きが
ブレンドされた絶妙な味わい

作品のタイトルである二重協奏曲というのは一体どういう意味なのでしょう?

ネーミングからすると、分かるような分からないような……、きっと釈然としない方も多いのではないでしょうか。実はこれ、同じ2台の独奏楽器を使用しているという形態の協奏曲なのです。たとえばチェロ2台と、オーボエ2台で、あとは弦楽器という形式ですね…。「これじゃ、ますますイメージしにくいじゃないか」という方もいらっしゃるかもしれませんね。

おっと!? 曲のタイトルで揉めていても先には進みません…。それでは本題に入っていくことにしましょう♩ 
ヘンデルの二重協奏曲は3曲あって、そのどれもがオラトリオの幕間に演奏される音楽として作曲されています。

二重協奏曲はヘンデルならではの独特の響きと味わいがありますね。
それは水上の音楽や王宮の花火の音楽で聴かれる管楽器と弦楽器をうまくブレンドした響きといっていいでしょう。ファゴットやホルンが奏でるスケール雄大な響きが弦楽器の格調高く繊細な響きと相まって、絶妙な味わいを醸し出すのです!

中でも第2番は豊かなメロディやソロの魅力、多彩な曲調の変化があって、私が最も愛する作品です。これだけ音楽が充実していると、もはや間奏曲というカテゴリーに置くのは勿体ない作品ですね……。

実際、第三楽章のア・テンポ・ジュストは『メサイア』の第30曲の合唱曲「門よ、お前たちのかしらを上げよ」に転用されていて、その充実度が伺われます。

この第2番で特に魅力的なのは第6楽章ア・テンポ・オルディナリオでしょう。長調と短調を行き来する陰影に満ちたテーマをオーボエとホルンが巧みに歌い交わしながら、音楽に華を添えるのが印象的です。全体として何か大きいものに包み込まれるような安心感があり、ぐんぐんと音楽が拡がっていくのはヘンデルならではの魅力と言えるでしょう。

太陽の煌めきのように強いエネルギーを発散し、美しい情感が自然に湧き上がる第二楽章アレグロも見事です!


オリジナル楽器演奏の美感を
最大限に生かしたピノック

演奏はトレヴァー・ピノック指揮イングリッシュコンサート(アルヒーフ)が音楽の美しさをとことん堪能できる名演奏です。
これはオリジナル楽器演奏によくありがちなスッと流したような演奏ではありません。
まず楽器の音色、響きのバランスが抜群です。それぞれの楽器の織りなすハーモニーの美しさが極上ですし、しかも音楽の流れが軽快そのものなのです。

それだけではなく、音楽の本質をしっかりと捉えて、深い呼吸で旋律を歌わせているため、オリジナル楽器演奏の弱点でもある楽器の響きが淡泊になることがありません。特にホルンやオーボエのソロはセンス抜群で、弦楽器の響きと美しく溶けあう情感は最高ですし、至福の時を約束してくれることでしょう!